Viviamo in un momento in cui le arti visive, preoccupate di trasmettere lezioni sociali e morali al loro pubblico, sembrano spesso dimenticare il principio del piacere, oppure, se lo ricordano, ciò che spesso vogliono fare è fornire al proprio pubblico sensazioni immediate, cose che spesso sembrano avere poco a che fare con la creazione di oggetti e immagini stabili – cose pronte a prendere posto nel mondo che gli spettatori occupano come parte delle loro esistenze quotidiane, ad esempio, per visitare una galleria pubblica, attirano con la promessa di far vivere un “esperienza” contraria a ciò che potrebbe essere offerto fuori.
Christian Carlini si descrive come un “iperrealista” e cita Salvador Dalì: “Non aver paura della perfezione perché non la raggiungerai mai.” Cita anche un altro detto di Dalì: “Non mi preoccupo di essere moderno dal momento che questa – fortunatamente – è l’unica cosa che non posso evitare”.
Questa filosofia è espressa da Carlini e viene percepita se si osservano i suoi dipinti intensamente.
Gli oggetti che compongono la scena del dipinto coprono una gamma relativamente limitata di argomenti: cibo, principalmente torte e gelati, squisitamente presentati, il tipo di dolce o gelato che potrebbe essere offerto in un elegante ristorante; Bonsai, sempreverdi o di agrumi pronti per essere piantati, con del terreno aggrappato alle radici.
Sebbene non vi sia nulla di direttamente paragonabile a questi dipinti nel lavoro dei pittori di nature morte del Vecchio Maestro, alcune somiglianze si suggeriscono.
Ci sono collegamenti con il lavoro di alcuni artisti spagnoli della fine del XVI e dei primi del XVII secolo, in particolare con il lavoro di Juan Sánchez Cotán (1560-1627) – le nature morte dipinte prima che Cotán chiudesse il suo studio di Toledo nel 1603 per entrare la vita religiosa. Mentre Cotán ha fatto composizioni austere di frutta e verdura queste non sono così drasticamente semplificate come quelle che Carlini ci mostra.
Carlini ha una sensibilità piuttosto simile al lavoro ma formata da idee e condizioni contemporanee. Non c’è atmosfera religiosa qui. Come dice la voce di Wikipedia per Cotán: “Anche se gli oggetti sono disposti in modo tale che sembrino abbastanza vicini da toccarsi, sono comunque distanziati.
Nonostante tutto il realismo con cui sono raffigurati, l’isolamento di ciascun oggetto, accentuato dallo sfondo nero, conferisce loro una gravità monumentale, quasi scultorea.
L’opera di Carlini differisce da questa in un aspetto importante, tuttavia, che gli sfondi che egli sceglie non sono neri ma di un grigio molto chiaro. Ciò non influisce sulla tattilità di ciò che mostra, anzi, Le cose che dipinge sono distanziate, paradossalmente sono anche molto presenti, quasi invitando il tocco dello spettatore e ciò è dovuto, almeno in parte, all’approccio dell’artista al colore.
Le tonalità che impiega sono, dice, “un’evoluzione dei colori classici usati nell’iperrealismo”. Vale a dire, mira ad andare oltre i confini dell’arte fotografica. L’influenza qui è il colore che vediamo ora sugli schermi dei televisori ad alta definizione dotati di 4K HDR e che carlini emula. Queste tonalità aumentano l’impatto visivo andando oltre i normali confini della percezione umana. Intensificano il potere dello sguardo, fino a un punto mai sperimentato in precedenza.
Un’altra grande differenza rispetto a Cotán, e anche da tutta la natura morta del passato, sta nell’abbraccio di Carlini di oggetti che riconosciamo molto della nostra epoca . L’elegante Positano Ice, per esempio, è davvero un piacere moderno. Un piacere che potresti assaporare in un bar situato in un elegante resort sulla Costiera Amalfitana.
Il wafer, prodotto industrialmente ed il cucchiaio di plastica sono garanzie di contemporaneità.
Il messaggio principale che trovo nel lavoro di Carlini, sia che lo intenda pienamente o no è un fascino per il reale. Non sta propagando alcun credo. Non ci sono messaggi nascosti. Ciò che lo ha affascinato come pittore è lo stato delle cose come sono. Contempla le cose che sceglie di dipingere con uno sguardo assolutamente non giudicante. Vuole condividere l’esperienza del vedere con un’intensità che va oltre la capacità dello spettatore di vedere gli oggetti per quello che sono. Nel mondo che ci circonda, i nostri occhi cadono su una moltitudine di oggetti. Pochissimi hanno un impatto più che tangenziale. Guardiamo e poi guardiamo altrove qualcos’altro. Le scene e gli oggetti che di tanto in tanto attirano la nostra attenzione quasi invariabilmente lo fanno perché risuonano con qualcosa dentro di noi – qualcosa che conosciamo già o che abbiamo sperimentato in precedenza. Carlini ci chiede semplicemente di guardare – di sperimentare ciò che ci mostra senza preconcetti. A volte i suoi titoli forniscono indizi silenziosi – Sulla vetta dell’Olimpio, ad esempio, con un Cup Cake in bilico su un mucchio di ciottoli. O L’isola del Tesoro, dove la zolla di terra che sostiene il bonsai offre un paio di monete. Eppure questi suggerimenti hanno invariabilmente un elemento di ironia. Sembrano commenti ironici o incapacità, come esseri umani, di guardare le cose semplicemente per quello che sono.
